Als prestatges de les nostres llibreries apareixen guies de viatges especialitzades en els més diversos temes, des de les guies gastronòmiques fins les a guies literàries, passant per tota mena de rutes culturals associades a determinats períodes i esdeveniments de la història, tradició o llegenda locals.

En la línea d’aquestes noves guies de viatges destaquen aquelles novel·les dedicades en lletra i ànima a un paisatge, a una ciutat, a un poble com ara Rayuela (de Cortázar) o Ulises (de Joyce). Bona part dels nous lectors d’aquests textos s’hi acosten justament cercant l’ànima de la ciutat abans d’aterrar-hi.

“París no se acaba nunca”, d’Enrique Vila-Matas és una d’aquestes novel·les que el viatger lector pot fer servir com a guia per a recórrer la capital francesa, amb la particularitat que aquest text, a la seva vegada, es passeja pels carrers ja descrits en una consagrada obra de referència sobre la ciutat de les llums: “París era una fiesta”, d’Ernest Hemingway.

Com a totes les seves obres anteriors, Vila-Matas es basa en el seu particularíssim concepte d’ironia per a endinsar-se novament pels camins de la intertextualitat i la metaliteratura: sens dubte els terrenys en els que es mou amb més encert.

El resultat és una novel·la que relata l’estada del Vila-Matas postadolescent a París, la història entre cínica i patètica d’un jove convençut de tenir una clara retirada física a Hemingway i que això el determina a seguir les petjades de l’escriptor nordamericà a la capital francesa.

Vila-Matas s’instal·la a les golfes que li lloga l’escriptora Margarite Duras al mateix edifici en el que viu: el número 8 de Saint Benoit, que es converteix, per suposat, en el centre de la seva miserable vida personal i en el cau on redactarà la seva primera novel·la: L’assassina il·lustrada

Llegir “París no se acaba nuca” en clau de ciutat, portarà al lector a visitar tot el barri llatí, a fer un recorregut pels millors (i a dia d’avui més cars) cafès literaris de París, a passejar per les ribes del Sena, i sobre tot a omplir d’anècdotes de diferent volada cada cantonada dels mítics Boluevards Saint Germain i Saint Michel.

Bones dosis d’humor per a batxillers i intel·lectuals i, en qualsevol cas, una magnífica novel·la que val la pena llegir.

Altament recomanda per tots aquells que tinguin previst viatjar a París en breu.

Ramiro Tomé
ramiro.tome(arroba)gmail.com

Fitxa:
Títol: París no se acaba nunca
Autor: Enrique Vila-Matas.
Editorial: Anagrama.
Col·lecció: Narrativas hispánicas.
Preu: 16 €.
Pàg.: 240.

Sí, Kneale es un desconocido en estos parajes, pero “Viajeros ingleses” fue galardonado en 2000 ni más ni menos que con el WhiteBread: el premio al mejor libro en lengua inglesa. No es un premio trivial.

Con “viajeros ingleses” Kneale embarca al lector en un viaje insólito en compañía de unos pasajeros muy particulares, entre ellos un reverendo inglés que pretende demostrar además de la existencia del Jardín del Edén, que éste se encuentra en las Antípodas, y justo su contrario: un científico positivista que pretende demostrar la superioridad de la raza blanca. No menos particular es el capitán del ballenero en el que viajan y su espacialísima tripulación.

La aventura promete. La inglesa es, junto con la francesa, la tradición literaria más volcada en el relato de la experiencia viajera. Tal vez por eso, en cuanto se nombra que el barco es un ballenero, el lector avezado en estas lides tenderá a recuperar las vicisitudes y tripulación del “Pequod” el viejo ballenero con el que el capitán Ahab recorrió medio mundo tras Moby Dick. En cuanto se nombra “la compañía” el lector tenderá a recuperar los detalles de la “Nelly” y el viaje de a la “Oscuridad de las Tinieblas”.

Sin embargo, “Viajeros ingleses” sigue un rumbo muy distinto trazado por un magnífico entramado de narradores que desde la interioridad de sus primeras personas van descubriendo el entretejido social de la vieja Inglaterra victoriana: su intrahistoria.

Matthew Kneale crea y da voz a “personajes tipo” de todos los estratos significativos de la sociedad británica. Viaje coral en el que hasta el más mínimo susurro debe ser escuchado: sólo con la fusión de todas las perspectivas ofrecidas consigue el lector hacerse una idea de la realidad escondida en “Viajeros Ingleses”.

En un contexto de literaturas lineales en las que el lector apenas debe resbalar y dejarse llevar, en el que la estrategia literaria dominante suele consistir en imprimir un ritmo trepidante y en una vertiginosa experiencia lectora enganchada al “una página más para ver si se salva o no”, se agradece un planteamiento diferente.

Kneale es un autor, hay que reconocerlo, inteligente. “Viajeros ingleses” es un enjambre de voces y perspectivas en el que el lector podrá elegir, posicionarse, seguir con mayor o menor atención tal o cual personaje, opinar, acompañar el desenlace de tal o cual situación… y a medida que va avanzando en la lectura irán apareciendo datos que continuamente resignificarán todo lo leído con anterioridad.

Una novela de relatos que exige del lector una cierta participación pero cuya estructura es apta para todos los hábitos lectores, desde las breves lecturas intermitentes del metro hasta las bucólicas largas y pluviosas tardes invernales.

En español fue traducido ya en 2001 y puesto en las librerías por una buena editorial, en una colección de confianza: “Narrativas Históricas” de Edhasa. La novela no ha tenido la repercusión que tal vez merezca, pero siempre es una garantía ser introducido por un sello de prestigio.

Sea como sea, además de un gran trabajo, “Viajeros ingleses” es una magnífica experiencia en al que vale la pena embarcarse. Recomendado.

Ramiro Tomé
Info (arroba) arquera.com
Pielago.com
Portal de blogs para escritores y narradores de viajes.

Las primeras presentaciones del libro serán:

• Martes, 1 de abril. Librería ALTAÏR de Barcelona (Gran Via de les Corts Catalanes, frente al cine Coliseo, entre Rambla de Catalunya y Balmes). 19 horas. Con Juan Villoro y Eloy Fernández Porta.
• Jueves, 3 de abril. Librería ROBAFAVES de Mataró. 19 horas. Con Joan Salicrú y Pablo Muñoz, “Alvy Singer”.
• Viernes, 11 de abril. Librería LITERANTA de Palma de Mallorca. 20 horas. Con Román Piña y Agustín Fernández Mallo.

Y como mejor presentación, valga la reproducción de algunos fragmentos del libro seleccionados por el propio Jorge Carrión :

“Estoy en el segundo avión interoceánico de este viaje. Un vuelo nocturno y transpolar me está llevando desde Buenos Aires hasta Sydney. Hace veinticuatro horas que dejé mi casa, mi familia, mi contexto. Ahora sobrevuelo el Polo Sur. Mejor dicho: ahora sobrevuelo la representación del Polo Sur, un continente helado y virtual, sobre el que nosotros somos una línea intermitente parpadeando en una pantalla.

El Polo Sur real, ahí abajo, en una masa de hielo negro, que no veo.”

“Ante mis ojos insomnes: una red antigua y moderna, primigenia y contemporánea, natural y tecnológica, de hilos grises en movimiento se dibuja sobre la masa helada y negra; como si sobre el fantasma de Pangea, el continente único, el paraíso perdido, se fueran ido abriendo grietas sísmicas, fracturas, plataformas, placas tectónicas, como un iceberg continental y oscuro que se hubiera empezado a romper hace ciento ochenta millones de años, a disgregarse, y sobre los trazos de esa fractura, de esa deriva, se hubieran ido acumulando los de todos los desplazamientos, miles, millones, que los siguieron, que los persiguieron, con un único fin: reconstituir mediante la migración, mediante el viaje, mediante la tecnología, la Pangea perdida, la unidad original, para acabar así con la enfermedad congénita; para cerrar así la herida.

En algún momento me quedo dormido.

Al cabo de algunas horas el capitán anuncia la inminencia del aterrizaje.

Pongo mi reloj en la nueva hora, en mi hora nueva: australiana.”

Lo seguiremos de cerca.

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

Imprescindible.

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LISBOA

Lisboa era brisa de Alfama y de mar,
mar como lanzada de sal sin secar.
Lisboa era el mundo, Lisboa era la luz,
Lisboa era mía, Lisboa eras tú.

Lisboa era un puerto donde yo atraqué,
Lisboa era un sueño dentro de un cuartel
que tus labios dulces supieron romper.
Lisboa te amaba, como yo te amé.

Derramando besos llegué hasta el final,
donde las palabras no quieren hablar.
Me serví otro trago, y otro trago más:
Lisboa era el paso hacía la eternidad.

Lisboa pedía el poema mejor,
la mirada más tierna, flores, la voz,
la sangre más joven de mi corazón.
Lisboa era el tiempo, Lisboa era yo.

Lisboa de barcos, turquesa y hollín;
Lisboa y tu pecho, Lisboa y carmín.
Lisboa era un verso, Lisboa era el sol,
Lisboa no tenía herida. Y lloró.

Lisboa fue lluvia, tabaco y canción;
Lisboa fue como un desgarro de ron
que prendió en la almohada cuando amaneció.
Lisboa gritaba cuando dije adiós.

Lisboa me grita veinte años después,
la voz más amarga, más dura que ayer.
Lisboa me cuenta que te abandoné
y Lisboa te ama,
como yo te amé.

Gabriel Sopeña

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com
http://arquera.com/slql

“La improbable vida de Bernard Lafourcade y otros relatos” siendo la culminación de una idea sencilla y estimulante, es una rara avis en el panorama editorial español por lo general poco dado a proyectos innovadores.
Se trata de un libro de “cuento corto con ilustración” en el que el vasco Enrique Mochales aporta los textos y el catalán Oriol Malet las ilustraciones.

Clasificados en cuatro bloques de improbabilidad (realidad, amor, muerte y vida), Mochales ordena una cincuentena de textos acotables entre el cuento corto (muy corto) y el microrelato. Una destilada selección de situaciones y desenlaces que probablemente sorprenderan al lector por su eclecticismo narrativo: aunque domina el pretérito imperfecto tradicional, cada relato reniega del patrón y se erige como único y claro aspirante a ser el texto más destacadao y dar, por ello, nombre al conjunto.

El lector que suba “Bernard Laforucade” al tren para ir al trabajo, leerá apenas una serie de textos ágiles, ingeniosos, frescos y muchas veces sorprendentes.

Al lector que se lo tome con más calma, se le harán presentes situaciones kafkianas, en algunos momentos pensará en Borges, en otros recordará Eduardo Galeano, y en otros le vendrán ganas de releer Enrique Vila-Matas. Sin duda.

Valga, como muestra, un botón: “El brazo derecho de Anselmo”

"A veces encuentro a Anselmo en un mugriento café de los alrededores apurando el último trago de una botella de cerveza. Anselmo cuenta de izquierda a derecha los caballos parlantes de un cartel de circo y luego cavila. Nunca le gustó que le llevasen al circo. Prefería el zoológico, o algo parecido. Recuerdo especialmente nuestras apuestas: aquel día Anselmo se arriesgó demasiado, no fue lo suficientemente rápido. Ahora siempre dice que volvería a meter la mano en la jaula. Y cuando bebe no le hacen falta los dos brazos. Lo que apostásemos no tiene importancia: el ganador fue él."

Pero concebir “La improbable vida de Bernard Lafourcade y otros relatos” tan sólo como un libro de relatos, es concebir tan sólo la mitad de lo que realmente es. Las ilustraciones de Oriol Malet no sólo complementan a la perfección los relatos sino que se diría que, en muchos casos, son la natural clave interpretativa de los mismos.

Podríamos haber encontrado los textos editados en un libro de relatos “convencional”: son absolutamente autónomos.
Del mismo modo, las ilustraciones podrían formar parte de un trabajo independiente.
Sin embargo, el acierto de
“La improbable vida de Bernard Lafourcade y otros relatos” está justamente ahí: en la fusión de ambos talentos en un solo libro que bien podría ser obra de un único autor: por supuesto, del francés nacionalizado inglés Bernard Laforucade.

Búsquenlo. Léanlo. Contémplenlo.

Ramiro Tomé
info(arroba)arquera.com

Tan sólo 51 años, tan sólo 8 años de experiencia en el oficio de “novelista” y títulos que ya forman parte del imaginario literario en lengua castellana: “El maestro de esgrima” en 1988, “La tabla de Flandes” en el 90, “El club Dumas” en el 93, “Territorio Comanche” en el 94, “El capitán Alatriste” en el 96, “La carta esférica” en el 2000…

“Un asunto de honor”, sin duda alguna, obra menor en la bibliografía de Reverte, apareció en formato libro en 1995, apenas unos meses antes que su versión cinematográfica “Cachito” firmada por Enrique Urbizu también en 1995.

A diferencia de los grandes relatos que todos asociamos a Reverte, “Un asunto de honor” es apenas una novela corta, un relato de apenas unas 90 páginas en letra XXL. Una historia sencillita, un divertimento, de fácil y agradable lectura.

“Un asunto de honor” podría ser tranquilamente una versión más bien discreta, y seguro que sin pretensiones, de la Cenicienta. Una chiquilla maltratada, infravalorada y con la honra,(vamos a llamarlo así), en peligro, rescatada justo a tiempo por un prícipe de pelo en pecho, amor de madre, gran corazón y, para más señas, camionero andaluz.

Una versión “made in Spain” que no sería tal si no apareciera una malo sin alma pero con botella de soberano y rastrero como una mala cosa.

El camionero que además de camionero y de buena persona es también un poco escritor, o al menos un poco contador de historias, es quien nos explica, en primerísima persona, el cuento de su aventura. Y como tal, con una coherencia irrepochable, Reverte dota al chaval de un vocabulario de calle, algo chabacano, populista y facilón pero comprensible hasta por las piedras.

Pocos personajes y perfectamente estereotipados, la cenicienta buena, la madrastra envidiosa, el principito guapo y la bruja de la manzana disfrazada de malo.

Una historia previsible por los cuatro costados y aunque estrictamente hablando sería una historia posible, a todas luces resulta claramente inverosímil lo que no hace sino redundar en ese cierto ambiente fantasioso que envuelve los cuentos de príncipes y princesitas.

La cuestión es: ¿cómo un Arturo Pérez Reverte se entretiene con una novelita menor tan poco revertiana? La respuesta nos la ofrece el propio autor en elcapitanalatriste.com:

“Fue a los postres [en una cena de Reverte con el productor de cine Antonio Cardenal y su machaca ejecutiva Marta Murube] cuando se me ocurrió la cosa. (…) vi de pronto la historia mirándome allí, sobre el mantel: un fulano en un camión, hacia el sur, con camiseta y tejanos, y un yogurcito joven de ojos grandes, a su lado. Bares de carretera y faros de automóviles, una persecución, y una playa con el viento agitando el cabello de ella. Antonio seguía contándome no se qué, pero yo no lo escuchaba. Se me había ido la olla junto al camionero y la niña, y acababa de agregarles tres malos muy de caricatura, que los perseguían para darle emoción a la cosa. Muchas peripecias, peleas, entradas y salidas, la niña tierna que era sabia como todas las mujeres lo son, por instinto; y el chico duro que en el fondo era un infeliz buscándose la ruina. Algo así como érase una vez un yogurcito dulce por fuera y un camionero tierno por dentro que se enamora de ella y se la lleva -o en realidad la sigue-, hasta el final, sabiendo de antemano que el precio va a ser condenadamente alto. Una historia de amor, de carretera. Y de soledad, y ternura. Y de valor, y de coraje, y de muerte. Pero con final feliz”.

Reverte, además, deja claro el por qué del formato… “Y me puse a ello, dispuesto a hacer por primera vez en mi vida algo directamente destinado al cine. Se daba la feliz casualidad de que por aquellas fechas Juan Cruz, mi editor de Alfaguara, quería un relato corto, por entregas, para publicar en agosto en el diario El País. El año anterior ya nos habíamos estrenado con La sombra del águila, y Juan estaba dispuesto a repetir folletín, con intención de sacar después la historia en forma de libro…”

Está claro pues. Vayamos a la película que, contra pronóstico, es harina de otro costal.

Una chiquilla vive con su abuela, perdidas en la sierra. Al morir la anciana, la cría emprende viaje (a lo “mi mono Amelio y yo”) en busca de su mamá. A través de una carta añeja aterriza, llevada en volandas por nuestro héroe-camionero, en un puticlú de carretera.
La madre no está y encima la chiquilla tiene la mala fortuna de ser clichada por el chulo de turno que quiere sacar provecho de su virginidad para disfrute propio y ajeno. Y bueno, el héroe-camionero que nuevamente irrumpe en escena y la secuestra, justo antes del fatal momento, desencadenando una andalucía-road-movie de clase B que acaba como el rosario de la auroran en la presa de un pantano que bien podría estar en el norte de Palencia y que no cuadra con la historia ni en broma.

Resumido así, el guión aún aparenta un cierto paralelismo con el relato, pero no: cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. El guión de “Cachito”, además del relato del propio Reverte, necesitó de hasta cuatro guionistas más que, a juzgar por el resultado de la cinta, no se pusieron demasiado de acuerdo.

Y es que, si el relato es un guiño facilón a la vieja historia del príncipe que rescata a su correspondiente princesita encerrada, “Cachito” se sale por la tangente e introduce escenas tan extremadamente “peliculeras”, tan excesivamente ficcionadas, que pierden toda credibilidad.

La película empieza mal, con los actores fríos podríamos decir. Sancho Gracia, nuestro “Loopy de Loop” serrano, entra en escena dando bandazos con un Mercedes cochambroso e interpretando una borrachera que no se cree ni el apuntador. La chiquilla, Amara Carmona, en sus primeras escenas, es lo más parecido al “osito Bubu” en versión femenina: sosa, pánfila… ¿le pasa algo?…

Salvo alguna escena, yo diría que puntual, a Amara Carmona no se le pasa el frío en toda la película… sin embargo uno no llega a estar muy seguro si es que la chica no entra en la película por falta de experiencia en la interpretación o, y quizá sea más probable, porque tiene la consigna de imitar, más que interpretar, una cría de siete años para parecer una de diecisiete.

Bueno. Las putas del local parecen sacadas de un baile de disfraces y menos mal que Aitor Mazo interpreta tan bien su papel de subnormal que incluso lo parece. Igualmente en su papel, que es como tiene que ser, anda nuestro héroe de pelo en pecho, Jorge Perugorría, personaje amable, casi entrañable, y de constante buen hacer a lo largo de toda la cinta.

Por suerte Sancho Gracia se crece a medida que avanzan los metros e incluso nos regala algunas escenas interesantes que, diría yo, salva lo poco que de salvable tiene la película, con la colaboración, no se me olvide, de Aitor Mazo y la señora Pilar Bardem, impecable durante sus 15 o 20 segundos.

Pero claro, otra historia es la que explica el maestro Reverte sobre “su” película, y a ella, una vez más, me remito:

“Por fin, una mañana en que el viento levantaba espuma a las olas, vi a Jorge Perugorría y a Amara Carmona amanecer en la cabina del camión, en una playa del sur. Y ella abrió esos ojos grandes y negros que tiene y dijo: “el mar”. Y Manolo Jarales Campos la miraba con la misma ternura que en el texto que yo había escrito año y medio antes, imaginando esa misma mirada. Y Trocito sonreía con una sonrisa idéntica a la que yo había puesto en sus labios. Y me dije que sí, que el cine te gasta a menudo bromas pesadas. Pero a veces una mujer, una actriz, una mirada, un amanecer filmado por un equipo de gente silenciosa tras una cámara, pueden encarnar con absoluta precisión, con fidelidad, el momento mágico, fugaz, de la historia que una vez soñaste.

Y señores del jurado… más y mejor información en:
http://www.capitanalatriste.com/escritor.html?s=cementerio/ce_cachito

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

[Fuente: Formatocine.com]

La historia de Moby Dick, la terrible ballena blanca, es una de aquellas historias que forman parte de nuestro imaginario común. ¿Quién no ha oído hablar jamás de Moby Dick? ¿Quien no ha leído en su juventud alguna se sus versiones ilustradas con impresionantes estampas marinas de la gigantesca ballena cayendo sobre los botes de los balleneros o mostrando la terrorífica pierna de marfil del capitán Ahab?

En efecto, Moby Dick forma parte, sin ningún tipo de duda, del imaginario común occidental, una historia lejana, un recuerdo de infancia o juventud, como los cuentos de “Las mil y una noches”, “Las Maravillas de Marco Polo”, o el legendario “Miguel Storgoff” de Julio Verne.

Pero una cosa es el Moby Dick que recordamos de las historietas ilustradas, y otra muy diferente el texto desarrollado en la novela.

La novela comienza con el célebre “Pueden ustedes llamarme Ismael” a partir del cual 135 capítulos describen la historia del viaje de un barco ballenero, el Pequod, alrededor del mundo.

Oficialmente el objetivo del viaje es la caza de ballenas para la extracción de su aceite. Oficiosamente el único objetivo del viaje es la persecución, caza y muerte de Moby Dick, la famosa ballena blanca, por parte del obstinado y obsesionado capitán Ahab.

Como es de sobras conocido, el motivo de tan obcecada persecución es vengar la pierna que la ballena arrebata al capitán en su último encuentro.

Es cierto que Moby Dick explica la obsesiva persecución de la ballena blanca por el impacable capitán Ahab, pero también es cierto que durante capítulos y capítulos, este clásico describe hasta el agotamiento el día a día de un barco ballenero de mediados del siglo XIX, los preparativos del viaje, la circunnavegación del planeta, la arriesgada caza, el despiece de las capturas y su transformación en aceite para lámparas…

Toda esta carga descriptiva hace que la lectura de Moby Dick no sea, en absoluto, una lectura fácil y “adhesiva” de un bestseller de principios del siglo XXI. De hecho, comparada con los bestsellers actuales, la historia lineal de Moby Dick podría llegar a ser, sin demasiados miramientos, una novela espesa, aburrida e ilegible para un lector contemporáneo sin que ello signifique que la novela sea, efectivamente, espesa, aburrida e ilegible.

Y es que, Moby Dick no es una historia de aventuras, o al menos no una historia de aventuras convencional tal y como hoy la entenderíamos.
Tampoco es un libro de viajes aunque, permítaseme la contradicción, es esencialmente la historia de un viaje.
Melville se sumerge en las profundidades del ser humano y, desde la narración del “anónimo” Ismael, va separando los diferentes tonos del mal, usando para ello ballena y capitán, así como tomando parte en los que son los grandes temas de la historia de la humanidad.

La incursiones eruditas del “anónimo” Ismael son la voz de Melville, su perspectiva sobre el hombre, la literatura y la historia.
No es posible afrontar la gran novela de Melville sin atender a su crítica al “gran hombre blanco” (y americano) que se cree superior al resto de razas, sin contemplar el trato igualitario que reciben creencias religiosas de signo distinto en una sociedad (americana) eminentemente católica, sin asomarse a los detalles más mínimos y substantivos de la esencia del hombre solo, del hombre ante la naturaleza, del hombre ante el hombre.

Harold Bloom, una de las voces más autorizadas de los últimos tiempos en materia literaria, afirmaba que “Moby Dick es el paradigma novelístico de lo sublime: un logro fuera de lo común”

Pero cambiemos de tercio. Como no podía ser de otro modo, Moby Dick saltó de las páginas de Melville a la gran pantalla.

El primero en aventurarse fue Millard Webb en 1926. Adaptó la historia de la gran ballena blanca en The sea beast, aún en cine mudo.
En 1930 fue Lloy Bacon quien se acercó a Melville con Moby Dick. Firmando la primera versión sonora.
En 1936 Richard Thorpe rodó Last of the pagans y, finalmente, John Huston firmó, en 1956, Moby Dick

Es esta última, la versión de Huston, la que más se relaciona con el texto. De hecho es, que yo haya podido averiguar, la única disponible en dvd y, consecuentemente, la única disponible.

La Moby Dick de John Huston es una buena adaptacióin del texto de la novela. Por supuesto, Huston resume casi 130 capítulos en apenas 15 segundos de cinta, pero salta a la luz que, desde la perspectiva de Hollywood, no tiene demasiado interés el día a día de un barco ballenero durante tres años… Huston adapta el primer capítulo, los tres últimos y algún que otro pasaje del resto de la novela, es decir, lleva a la gran pantalla lo que el Moby Dick de Melville tiene de relato de acción, y poca cosa más.

Posiblemente el gran logro de la versión cinematográfica sea respetar la narración, es decir, mantener el relato en primera persona tal y como lo hace Melville y que dota a la película de un cierto aire de realidad… “yo que estuve allí os puedo contar que…”

Quizá el handicap en 1956 fuera construir una ballena blanca que no desemereciera el resto de la cinta, que no le restara crédito.
Aparecen ballenas en dos ocasiones. En la primera la misma imagen de una ballena común se repiten una y otra vez. Sin embargo, las imágenes de la gran ballena blanca que, por cierto, no es una ballena sino un cachalote, a pesar de notarse los efectos especiales, son bastante coherentes y reales execepto, tal vez cuando de buenas a primeras el enorme cachalote avanza en horizontal con la gran boca abierta como si fuese una serpiente de agua…

Se trata de una cinta de 1956. Ello implica que el concepto de interpretación era, en comparación con el que hoy acostumbramos a ver, ingenuo.

Una de las primeras escenas de la película, cuando los marinos se encuentran en la cantina e improvisan una fiesta, es, desde la perspectiva actual, prácticamente infantil. Los actores sobreactuúan y, pasados los años, nos aparecen como totalmente inverosímiles.

Mención a parte merece, claro está, Gregory Peck.
Todos parecemos estar de acuerdo que, sin restarle méritos al gran actor, no era el perfil adecuado para interpretar un personaje de la furia interna del capitán Ahab. Los espectadores estamos tan acostumbrados a ver a G. Peck interpretando personajes pacientes y más bien pánfilos, que por mucho que en Moby Dick ponga cara de malo y simule brotes de cólera, no acaba de transmitir (de hecho ni empieza) la energía que el capitán Ahab de Melville genera en cada movimiento.

Uno de los puntos de tensión mejor conseguidos en la película es, curiosamente, en tierra firme y sin que aún se tenga noticia de Ahab, pero claro, el padre Marpple aparece interpretado, desde lo alto de su púlpito-proa, nada más ni nada menos que por un Orson Wells especialmente inspirado.

Es una buena adaptación de la novela, sí. Sin embargo, resumir la novela en apenas cuatro capítulos le resta “fondo”, le resta entender algunos comportamientos de la tripulación que le dan cuerpo y razón de ser a la persecución.

Además, los dos polos del texto son las distintas figuras del mal. El mal natural no comprensible racionalmente como el de la ballena y el mal de la obsesión, el de la soberbia humana.

Dado el recorte de la novela, Moby Dick deja de ser un mal “subterráneo” pero presente, un mal inevitable, un mal incontestable, a ser sencillamente una cuestión de orgullo por parte del capitán: “la ballena me ha arrancado una pierna, voy a vengarme”.

Por otra parte, el mal humano, ese orgullo y esa necesidad de venganza encangrenados en el espíritu del capitán Ahab de Melville, aparecen en la cinta, como ya he comentado, descafeinados y sin fuste.

Efectivamente es una buena adaptación de la novela, además rodada en parte en Gran Canaria, pero con respecto al texto pierde toda su intensidad y su fuerza y se diluye en una buena historia de aventuras.

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

[Fuente: Formatocine.com]

Dentro de esta literatura que daba fe de los grandes viajeros en busca de productos, en 1996 el italiano Alessandro Barico sentó cátedra en este tipo de textos con “Seda”, un breve y delicadísimo relato sobre el primer comerciante europeo que se adentró en Japón en busca de los preciados gusanos de la seda.

En 2003, siguiendo los pasos de Baricco, el francés Fermine Maxence se atrevió con “Opio”, un relato con pretensiones que nos acercaba las vicisitudes del primer importador de té blanco: el té más preciado por el consumidor británico del siglo XIX.

Tras la seda y el té, en el 2004 llegó el turno del café en forma de novela polifónica, pseudo relato de viajes y semi espiritual: “Los siete aromas del mundo”.

Novela polifónica porque Alfred Bosch concatena siete relatos en los que siete narradores diferentes aportan sus diferentes perspectivas sobre el Félix Dufoy que cada uno de ellos ha conocido o tenido noticia en algún momento de su vida.
Félix Dufoy, personaje al que el lector nunca conocerá de primera mano, es el nexo de unión de los siete relatos: él y su incesante búsqueda, por medio mundo, de las mejores semillas de café posibles a mediados del siglo XVII.

Novela pseudo relato de viajes porque el lector puede seguir las vivencias de Dufoy efectivamente por medio mundo, desde Londres a Pernambuco (Brasil) pasando por Estambul, Arabia Feliz (Yemen), Abisinia (Etiopía), Nigeria y París. Cierto. Sin embargo el lector no podrá hacerse una buena idea de las regiones porque Bosch las utiliza como marco para las narraciones pero siempre superficialmente, sin bajar a la descripción de las geografías, ni de las costumbres, ni de las diferencias respecto su tierra natal…

Un lector que no tenga una ligera imagen previa de cada uno de los siete escenarios geográficos finiquitará la lectura sin distinguir demasiado entre Arabia Feliz, por ejemplo, y Pernambuco.

Novela semi espiritual porque retrospectivamente podría deducirse que el viaje por los siete confines ha significado para el misterioso y particular Dufoy un camino de superación, expiación o purificación personal.

En “Los siete aromas del mundo” cada aroma está asociado a una geografía, a un narrador vinculado a esa geografía, y, magnífica atención de Bosch, a un tipo de relato asociado a esa geografía que más o menos discretamente inserta en el discurso de cada uno de los narradores.

Viajes, viajeros, personajes, paisajes exóticos… de todo hay en “Los sietes aromas del mundo” excepto justamente eso: “aromas”. Si bien Bosch acumula intriga sobre el hecho que el personaje Dufoy, incansable buscador del café más puro, jamás lo haya probado pero sea finísimo experto en su aroma, no aparecen en el texto descripciones que hagan honor al nombre tal como sí las encontramos por ejemplo en el ya clásico “El Perfume” del alemán Patrick Süskind.

Siete relatos perfectamente entrelazados alimentando una intriga muy acertadamente resuelta tan sólo en el último capítulo, fragmentos lúcidos, oportunas referencias culturales y geográficas y, sobre todo, una lectura rápida y amena, sin episodios oscuros o páginas de relleno. Una buena lectura para disfrutar relajadamente junto a una magnífica taza de café y recorrer el mundo sin moverse de casa.

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

Un dels personatges, el fill de l’acordionista, escriu un llibre: el mateix “Fill de l’acordionista”

Aquest noi, en Joseba, narra la mort de l’amic David i l’esdeveniment “dispara” la memòria cap a la joventut comuna.

Primer una adolescència rural y segon una militància activa a una banda armada: tot i que no ho explicita, clarament la banda terrorista ETA.

Així, un llibre escrit per un dels personatges del mateix llibre.

Aquest recurs ja el coneixem en la novel?la contemporània espanyola i catalana. Potser el cas més adient sigui, com no, “Soldados de Salamina” de Javier Cercas. (podeu veure la crítica al llibre i a la posterior pel?lícula de Trueba a la secció “Otros Textos”)

L’estructura narrativa, diguem-la així, tampoc és una novetat a ala nostra literatura recent, ara bé, sens dubte Atxaga es mou molt bé en aquests espais tècnics.

Tot “El fill de l’acordionista” és un entramat de dues temporalitats: l’actualitat i el passat: la joventut dels protagonistes del text.

Totes dues temporalitats s’entrecreuen constantment i intermitent, mantenint una tensió constant sobre la lectura que dur al lector a llegir i llegir i llegir per saber on conflueixen ambdues temporalitats, ambdues històries: el llibre.

Aquesta cadena, aquest barrejar els dos temps i pràcticament els mateixos personatges és una tècnica que explota magníficament a més del ja esmentat Cercas, el “planetari” Ruiz Zafón a “L’ombra del vent”.

Està clar que la història recent d’Espanya, entengui’s des de la Guerra Civil fins l’actualitat, és una temàtica que no tan sols no passa de moda (sempre parlant en termes literaris), sinó que està a la picota.

Em ve al cap el que probablement sigui la primera o una de les primeres novel?les catalanes en recuperar la memòria recent o en entrellaçar els personatges amb autèntica mestria: absolutament recomanat: “Si te dicen que caí” de Juan Marsé.

Però continuem amb “El Fill de l’acordionista”. Que Bernardo Atxaga és un “addicte” a l’euskera és un tema conegut. Ara bé, “El fill de l’acordionista” aquesta defensa poètica de l’euskera cau, per suposat sempre segons el meu parer, una mica ferrugosa, excessivament explícita i repetitiva.

En alguns paràgrafs hom té la sensació que Atxaga volia introduir, o millor dit falcar, a al seva novel?la la seva postura lingüística i que s’ha obligat a treure el tema cada x línies.

D’acord, pot ser ara faig un gra massa, el cas és que em sembla interessant remarcar aquest excés de, si em permeteu, patriotisme lingüístic.

Val a dir que Atxaga escriu, afortunadament, en euskera i que realment “El Fill de l’acordionista” en la seva versió original ha de ser una exquisitessa plena de matisos que en català (al menys en català) segur que s’han perdut per la traducció.

I és clar. El tema. Suposo que tot i ser una ficció literària, no ha esta gens fàcil per Atxaga tractar el tema del terrorisme. Sens dubte la tremenda sensibilitat que des del 11 de setembre i el 11 de març es manifesta a la societat espanyola al respecte, en el millor dels casos fa que es tracti d’un tema a tractar amb molta molta cura.

Atxaga, directe i frontal, explica la seva història des de la veu narrativa d’un terrorista “penedit”. Per molt que Atxaga humanitzi aquesta perspectiva (tot i que en cap moment la justifica d’una manera oberta), el lector va adonant-se, línia a línia del que la identificació amb la veu narrativa, per altra banda inevitable, el converteix (al lector) temporal i virtualment en el mateix personatge, és a dir que el lector es pot descobrir en la pell d’un terrorista que al final del llibre ja ha purgat els seus crims però que durant una bona part no ha deixat de ser un militant actiu.

Atxaga ja ens havia mostrat aquesta perspectiva a “El hombre solo”, és a dir, terreny sensible en el que Atxaga sap com moure’s.

La fórmula és òptima, una temàtica sempre ben acollida a Espanya, una tècnica que basteix correctíssimament un bon ritme i assegura les dosis mínimes de suspens que enganxa al lector.

Tot plegat conflueix en una novel?la de bon llegir amb el típic saber fer d’Atxaga però que, potser, no compleix del tot amb les expectatives generades per la llunyana Obaba…

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

Fuente: Pielago.com

A mi em va picar la curiositat de buscar-lo i llegir-lo perquè En Javier Cercas li dedica un breu articlet a “Relatos Reales”. Tinc molt bon concepte dels pocs autors valencians que conec (especialment de’n Piera) i no em vaig poder estar.

Abans però vaig investigar una mica… Està clar que Sòria no és, ni moltíssim menys, un autor dels de llibre per any . Tot just un parell de llibres de poemes (”Mirall de miratges -1992- i “Varia et memorabilia” -1984-) i un plec de treballs , traduccions, estudis…

“Mentre parlem” és una col·lecció de fragments que composen un dietari. Ja sabem que tret d’excepcions els dietaris no acostumen a ser betsellers. No estan en la línia, no estan encarats al -diguem-ho així- el “gran lector” sinò que més aviat acostumen a cercar al “lector de a prop”, volen una lectura més intimista no apte pel metro, un lector que llegeixi quatre línies, tanqui el llibre i degusti les paraules, els sons, els significats…

“Mentre parlem” tot i que s’acosta molt a aquesta mena de dietaris, personal i íntim, també és una molt particular finestra a l’època representada: també és d’alguna manera, un document social. És clar… no podem fer general d’un particular i menys d’un com aquest però de cap manera pot deixar de ser un reflex, un ressó, fins i tot no pot deixar de ser una part d’aquella època…

Cal remarcar, a més a més, un magnífic pròleg. Un PRÒLEG en maiúscules pel que cal passar amb un llàpis a la ma per poder pendre nota d’alguns quants punts…

a. “La literatura, per existir, demana al seu destinatari una bona disposició d’entrada, un ànim propici cap a les belles inutilitats, com la conversa lenta o la jardineria”.

b. (referint-se als dietaris coma gènere) “…aquella literatura on sembla confluir en el mateix jo qui diu i de qui és dit”.

c. “NO ignore que el dietari, com a gènere, té també les seues convencions (…) Entre els llbres catalans més o menys recents que he lelgit amb més gust i profit hi ha, per exemple, “bosc Endins”, de Valentí Puig, el “Dietari” de Gimferrer i el brevíssim “Ofici de Setmana Santa” de Rubert de Ventós, que demostra, si calia, que el gènere no està barallat amb la reflexió diguem-ne acadèmica, ni l’apunt amb la profunditat”

d. “Per a un escriptor, al capdavall, el moment de major intimitat és el de la’escriptura”

Què pensarà Sòria sobre l’”Escribir” de Margarite Duràs?

Bé. No puc reproduir les entrades al dietari que més m’agraden (alguns texto realment enormes) perquè són massa llargues per a una publicació d’aquestes característiques, però no puc estar-me de transcriure un parell…

12-IV-84
“L’horror que produïen a Nietzsche els periodistes (tan justificat) avui només el mereixen els polítics encarregats de l’apartat “Cultura”. Comparat amb això el periodisme és fins i tot innocu. brossa de riu”.

I per acabar, la que també és la darrera entrada de “Mentre parlem”:

10-II-85
“Que otros se jacten de las pàginas que han escrito.
A mi me enorgullecen las que he leído”.

Senyors. Cal llegir-lo

Enric Sòria, Mentre Parlem. Edicions 62, Barcelona 1991.
Premi Joanot Martorell 1990

Ramiro Tomé
info (arroba) arquera.com

Fuente: Pielago.com